De Detroit à la Parsons Design School et finalement sur les podiums, l’illustrateur de mode Aaron Potts raconte son parcours, sa vision et son processus créatif. Il nous explique l’importance de l’expression de soi, comment un cours de design de mode a changé sa vie, et pourquoi un set de gouache Winsor & Newton est devenu la base de sa carrière artistique.
Basé à Brooklyn, l’artiste et designer de mode Aaron Potts fusionne art et mode pour créer des vêtements qui permettent aux gens de se voir et de se célébrer. De ses années d’études à la création de sa propre marque, Aaron revient sur le chemin parcouru pour découvrir son style, son éthique et son processus, ainsi que sa collaboration avec Winsor & Newton, qui soutient l’expression de soi et l’inclusivité.
J’ai commencé mon parcours à Detroit, Michigan. J’étais un enfant très créatif, toujours en train de dessiner, peindre, faire des collages, et en même temps, je suis un grand fan des concours de beauté, des cérémonies de remise de prix – et de tout ce qui touche à Diana Ross ! Au lycée public, je suivais un cursus de journalisme et j’ai reçu une note qui ne m’a pas satisfait, que le professeur refusait de changer. J’étais tellement en colère que je me suis dit : « je sors de ce cursus », et le seul autre cursus disponible était dans le design et l’illustration de mode.
C’est là que j’ai commencé à marier ma créativité avec mon amour pour la mode et le glamour. Dès la deuxième semaine, j’ai eu une épiphanie : c’était ça, ma voie. Jusqu’alors, le lycée avait été difficile pour moi – j’étais timide et introverti. Mais cette expression artistique m’a permis de m’ouvrir, de rencontrer de nouvelles personnes ; des élèves plus âgés me demandaient de dessiner leurs robes de bal. C’étaient des cours incroyables. Je faisais tout : design de mode, illustration, calligraphie, photographie, dessin académique et nature morte – tout enseigné par une seule professeure, qui était comme une mère de substitution pour moi. Elle m’a aidé à préparer mes dossiers et à postuler à la Parsons School of Design. Des décennies plus tard, me voici.
Pour moi, je voulais d’abord être considéré comme un artiste, et mon expression se fait à travers l’art. La créativité et l’expression de soi sont la raison pour laquelle je fais cela – ce n’est honnêtement pas à propos des vêtements. Il s’agit de moi et des personnes qui portent mes créations. Les vêtements deviennent des outils pour explorer qui nous sommes, pour communiquer aux autres. Je dis souvent aux gens que si vous pouvez vous permettre d’acheter des vêtements, vous n’avez pas besoin d’un autre article. Il faut que ce soit plus que « se rendre joli ». Combien de robes noires vous faut-il ? Je veux créer des pièces qui permettent de s’exprimer et de se voir sous un nouveau jour. Voilà ce qu’est la mode et l’art pour moi.
Au début, mon travail reflétait mon environnement et était plus évident – sequins, plumes, fourrure. En grandissant dans une famille pieuse et très proche de ma mère, j’adorais le glamour. Puis j’ai appris davantage sur la mode et les gens. Après le lycée, je suis allé à New York City et ai été immédiatement exposé à des personnes de tous horizons, religions, couleurs et langues. Cette diversité a nourri ma créativité.
Mon évolution est surtout liée à ma compréhension des gens et de l’humanité, et à la façon de l’intégrer dans mon travail : diversité, liberté d’expression de genre, et valorisation de toutes les beautés, l’âge n’étant pas un obstacle. Mon rôle de designer est de mettre des images dans le monde pour que chacun se sente vu, entendu et aimé. Je suis avant tout artiste, mais j’apprends à être un entrepreneur tout en gardant ces valeurs dans le processus créatif et commercial.
Dès le premier jour à Parsons, la liste des fournitures pour l’année de base incluait un set de gouache Winsor & Newton avec 10 ou 12 tubes de couleurs primaires. Ce set est devenu le fondement de ma vie artistique. Il m’a appris à mélanger toutes les couleurs et nuances à partir de tubes limités. La gouache est devenue la base pour représenter différents tissus, et a guidé mes choix de couleurs et palettes pour mes collections. L’illustration de mode est devenue ma carte de visite, et j’utilise ces gouaches depuis plus de 30 ans.
Ces peintures me permettent d’exprimer l’esprit d’un tissu : son aspect, sa texture, son mouvement. Selon le mélange, le pinceau et l’eau utilisés, je peux rendre un tissu plus aérien ou texturé, ajouter ombres et nuances, et créer un effet tridimensionnel. Des années de pratique ont développé ma dextérité manuelle pour que la peinture reflète exactement le comportement du tissu.
Mon processus peut commencer par une personne, une plage ou un tissu inspirant. Je construis d’abord ma palette, en commençant souvent par des couleurs neutres (noir, kaki, bleu marine), puis j’ajoute des couleurs vives ou plus douces pour créer de la profondeur et permettre aux clients d’exprimer leur état d’esprit du jour.
Je commence les croquis au crayon, en intégrant références architecturales, motifs vintage ou fleurs. Ensuite, je choisis ou crée les tissus, travaille avec la salle de patronnage pour transformer les croquis en vêtements finis, et enfin passe du prototype au casting et au défilé. Je limite les ajustements pour réduire les déchets et maximiser la durabilité.
Je prends certaines de mes illustrations créées avec Winsor & Newton pour en faire des T-shirts collectors. L’objectif est de rendre l’art accessible : le T-shirt devient un moment d’expression personnelle. L’esprit de l’art prime, que ce soit sur une robe de couture ou un simple T-shirt.
La durabilité est essentielle, mais elle ne doit pas sacrifier la créativité. Nous utilisons des tissus durables et du Deadstock pour réduire la pollution tout en trouvant des matières uniques et belles.
Cette gouache permet à mes mains et à mes yeux de travailler en harmonie. Même avec les technologies et l’IA disponibles, l’art doit rester humain. Le fait de peindre à la main préserve la vitalité et l’esprit de l’œuvre.
Apprenez votre métier. Les raccourcis numériques ne remplacent pas la maîtrise des techniques. Apprenez à mélanger les couleurs, à coudre, à utiliser les outils adaptés à votre expression. Ces compétences sont la base sur laquelle tout le reste se construit. Les produits Winsor & Newton m’ont accompagné tout au long de ma carrière et restent essentiels à mon processus créatif.
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