Parlez-nous de vous en une phrase.
Allumé ou éteint, engagé à manifester un travail qui contribue à des vérités significatives dans un monde complexe.
Pourquoi utilisez-vous la peinture acrylique Galeria et qu’est-ce qui vous attire dans ce médium en particulier ?
Le médium est le message, la peinture est le sujet. Elle est économique, facilement disponible et constitue une nouvelle norme.
Y a-t-il quelque chose de surprenant que vous ayez découvert avec ce matériau et que d’autres artistes devraient savoir ?
Je préfère dévisser les bouchons à clapet et presser la peinture directement depuis l’embout du tube plutôt que par l’ouverture du clapet.
Décrivez votre processus unique.
C’est un peu comme mon empreinte digitale, tourbillonnant, complexe. La plupart de mon travail se fait dans ma tête, puis je trouve un moyen de transcrire l’idée de la manière la plus directe et honnête possible afin de matérialiser l’idée dans une forme accessible aux autres.
J’ai commencé à explorer la peinture comme sujet et non comme médium. Un tube de peinture est beau, la couleur est suspendue dans un récipient tridimensionnel en attente de sa sortie, pour être manipulée dans une autre forme. Différentes couleurs suggèrent-elles différentes formes ? Quelle forme a le noir ? Quelle forme a le blanc ? Comment les formes que prend la couleur peuvent-elles être lues comme des vérités ?
Ainsi, alors que nous vivons sur une planète sphérique et voyons à travers des yeux sphériques, nous semblons créer de nombreux plans qui suspendent des images… écrans, fenêtres, toiles, affiches – si nous exposons la couleur sur ces plans plats, célébrons et révélons la platitude et rompons avec l’illusion de la tridimensionnalité. Je pense à cela comme à la surface d’un étang… l’eau trouve son niveau. Pourtant, quand nous la regardons, nous pouvons voir au-delà de la surface, parfois jusqu’aux profondeurs troubles, nous pouvons aussi voir le reflet du ciel au-dessus, l’infini. Les deux suspendus à la tension du ménisque de la surface de l’eau. Ce plan unique a une profondeur infinie suspendue dans une peau plate.
Mes peintures sont construites avec cette idée en tête. Pas pour la représenter, mais pour révéler la platitude à travers la profondeur.
Comment restez-vous motivé ?
Je n’ai pas peur d’être fatigué ou de ne pas apprécier le processus. Je crée tous les jours. Que j’en aie envie ou non, que je sois fatigué ou en colère, je crée quand même. Certains jours, c’est brillant, tout coule et je déborde d’idées. D’autres jours, c’est difficile, mais je me présente quand même. J’ai appris à accepter l’inconfort. Le moment de création peut être ardu, mais une fois quelque chose est créé, cela devient vraiment spécial. Le véritable travail n’est pas le moment eureka, c’est la réalisation. C’est mettre le temps pour concrétiser les idées, les affiner et les faire communiquer clairement aux autres.
Comment votre formation de designer influence-t-elle votre travail aujourd’hui ?
Mon parcours est en design graphique, mais j’ai toujours eu l’impression d’être un peu un charlatan en étudiant cela – je ne me sentais pas vraiment designer. J’aimais la logique de ce que nous apprenions, mais j’aimais l’appliquer à d’autres aspects de la vie, comme préparer le déjeuner ou faire les courses au marché. Les choses que j’apprenais en design étaient utiles pour la vie en général. Cela m’a aidé à bien vivre, à prendre de bonnes décisions, à organiser l’information.
Vous avez une relation unique avec la couleur pour un artiste qui en utilise autant. Parlez-nous-en davantage.
Ne serait-il pas agréable de voir en noir et blanc comme les gens le faisaient autrefois ? Tant de couleurs artificielles créées par l’homme, toutes horribles, fausses, mensongères. La couleur des choses, le ciel, la mer, le sable, etc., est belle – la couleur de vos yeux, d’une flamme, de l’eau, du lait, des feuilles, des fleurs, d’un orage, d’un coucher de soleil, la couleur d’une fenêtre. Pourtant, quand nous choisissons une couleur préférée ou qu’on nous en attribue une – rose pour les filles, bleu pour les garçons, etc. – tout se gâte. Pour moi, la couleur est pour les yeux ce que le sucre est pour la bouche. Si elle est naturelle, elle tend à être saine ; si elle est artificielle, elle devient rapidement malsaine.
Des conseils pour les artistes débutants ?
Continuez.
Comment choisissez-vous les surfaces pour votre travail ?
Il y a deux surfaces : celle sous la peinture et celle au-dessus de la peinture.
Celle du dessous doit être aussi plate que possible, avec des imperfections, grains et textures naturellement présents, pour que la surface collabore avec la peinture.
Celle du dessus doit être transparente, comme du verre poli, reflétant la lumière et l’univers environnant.
Comment est venue l’idée d’utiliser un rouleau à pâtisserie comme outil de peinture ?
J’utilise un rouleau à peinture pour peindre les plafonds et les murs, c’est plus uniforme et efficace qu’un pinceau. J’utilise un rouleau à pâtisserie pour aplatir la pâte. Je voulais pousser la peinture dans des formes qui agissent comme des symboles de plénitude. Chaque forme que je crée avec mon rouleau à pâtisserie est une tentative de créer une icône représentant la platitude. J’essaie de trouver l’équilibre d’une forme organique circulaire allongée, qui semble naturellement plate et non mathématique. Un équilibre harmonieux de forme plate.
Quelle importance accordez-vous au processus physique dans la création de votre travail ?
Plus important que le résultat.
Parlez-nous de votre prochain projet avec W&N. Qu’est-ce qui vous enthousiasme le plus ? Quels sont les défis ?
Cette interview en fait partie, c’est une méditation sur la couleur. Toutes les couleurs que j’ai vues, dans toutes les permutations possibles, le processus de la couleur et de la forme capturé comme un film – l’inception de l’art, un flux continu de pigment engendré dans l’univers.
