Orlanda Broom crée des peintures dans deux styles distincts : des paysages luxuriants et floraux, et des œuvres fluides et abstraites. Ce qui relie ces deux corpus est son utilisation de la couleur, des formes organiques et son exploration des médiums picturaux. Orlanda a obtenu un Master en Beaux-Arts à la Winchester School of Art en 1997, tout en étudiant à Barcelone. Elle a vécu au Portugal et à Londres, et travaille aujourd’hui depuis son atelier dans le Hampshire.
Les paysages d’Orlanda représentent des lieux réinventés, vibrants, colorés et pleins de vie. Ses peintures abstraites, créées dans l’esprit de l’expressionnisme abstrait, sont réalisées intuitivement à la résine et laissent place au hasard dans la composition. Notamment, Orlanda a réalisé des commandes de grande envergure, dont une œuvre de 4x4 m pour le hall du nouveau Four Seasons Downtown à New York, ainsi qu’une grande abstraction pour le Mandarin Oriental à Londres. Elle est également impliquée avec l’association de santé mentale Hospital Rooms.
Dark Light 100x160cm ©Orlanda Broom
Vous créez à la fois des paysages floraux et des œuvres abstraites. Comment abordez-vous chacun de ces genres différemment ?
Les paysages nécessitent beaucoup de temps pour être achevés et sont densément superposés : la composition évolue directement sur la toile, sans planification préalable. Je me laisse guider par le comportement de la peinture elle-même, laissant les éclaboussures et les coulures suggérer des formes. Au fur et à mesure que la composition se structure, je me concentre sur le détail. Ce processus de superposition et de retouche confère aux paysages leur profondeur et leur fluidité. Je travaille sur une série de peintures dans mon atelier sur plusieurs mois, laissant le temps à la contemplation et à la prise de décision.
Mon approche des pièces abstraites fonctionne de manière opposée : je dois prendre des décisions rapidement et le processus est immédiat et dans l’instant. La résine, que j’utilise pour les peintures abstraites, a un temps de travail limité, et passé un certain point, il n’est plus possible de continuer, ce qui crée une période de travail très intense, entièrement concentrée sur un seul élément. Je n’utilise ni pinceaux ni outils, je manipule simplement la surface pour la déplacer. Ces deux approches diamétralement opposées se complètent et s’informent mutuellement ; il est important pour moi d’avoir la liberté de passer de l’une à l’autre.
Susquehanna Dreamer 120cm
Vos paysages sont hyper-colorés et représentent des lieux sauvages, mais ils dégagent aussi un sentiment d’abandon. Qu’est-ce qui vous a inspiré ce contraste dans vos œuvres ?
Il existe une tension entre les récits apparemment joyeux et les histoires plus sombres que je considère lorsque je crée. La couleur agit comme un dispositif d’attraction, tandis que les éléments luxuriants et floraux transmettent un sentiment de liberté et d’altérité. Mais, comme le dit l’adage, il n’y a pas de lumière sans obscurité. Les paysages que je peins sont souvent des étendues sauvages envahies par la végétation, représentant l’abandon et l’enfermement. Les thèmes de la perte, de la perception de la beauté, du changement climatique, des récits intérieurs et des cycles de vie sont autant de sujets sous-jacents que j’explore à travers mon langage visuel.
Shapeshifter 140x140cm
Comment explorez-vous les différents médiums picturaux dans votre travail, et quel impact ont-ils sur vos œuvres finales ?
Le comportement de la peinture est un facteur déterminant dans l’évolution de mes œuvres, et c’est aussi le fil conducteur (avec la couleur) entre mes deux corpus. J’explore les caractéristiques de la résine et de la peinture ; leurs propriétés sont intégrées à la composition finale. J’adore particulièrement l’acrylique pour sa polyvalence : on peut créer sa propre peinture à partir de pigments secs et utiliser la vaste gamme de médiums disponibles. Cela ouvre un monde de techniques et d’effets différents, ce qui m’enthousiasme énormément. Cela apporte un aspect ludique et expérimental à la peinture, et je pense que cela garde mon travail vivant et frais.
Flutter 120x150cm Orlanda Broom 2022
Quelle importance accordez-vous à la couleur dans votre travail, et comment choisissez-vous vos palettes ?
La couleur est essentielle dans mon travail. Il y a un désir constant de la pousser et de l’expérimenter. C’est également quelque chose que je ne planifie pas consciemment ; c’est très intuitif et déterminé par ce qui se passe sur la toile. L’exception concerne les pièces abstraites à la résine, pour lesquelles je pré-mixe ma palette. Dans ce cas, le choix des couleurs dépend de ce qui fonctionne ensemble, en tenant compte des transparences et de l’interaction des pigments lors de leur mélange sur la toile.
Melba Morning 30x30cm
Vous avez réalisé des commandes de grande envergure, notamment pour le Four Seasons à New York et le Mandarin Oriental à Londres. Comment se déroule le processus de création d’une commande ?
C’est très agréable de travailler sur des commandes de cette taille, car il est rare de pouvoir peindre sur une grande toile. Il faut être stratégique en termes de composition. Je travaille habituellement sur mes peintures au sol et sur le mur, mais les grandes toiles, plus difficiles à manipuler, nécessitent une approche différente. Les contraintes permettent toutefois de trouver de nouvelles façons de procéder, ce qui est toujours positif.
La peinture pour le Four Seasons, intitulée Mana Hatta, mesurait 4x4 mètres. Cela a été extrêmement stressant et exigeant, mais aussi formidable. Pour cette commande particulière, tout le reste de ma vie a été mis de côté et j’y ai travaillé de façon intensive : sept jours sur sept pendant plusieurs mois. C’est rare de pouvoir travailler avec une telle concentration et intensité, et j’ai adoré cette expérience.
Hope Auction Canvas par Orlanda Broom, courtesy of Hospital Rooms, photographie Tim Bowditch
Qu’est-ce qui vous a motivée à vous impliquer avec Hospital Rooms, l’association de santé mentale avec laquelle nous travaillons également ? Pouvez-vous partager des projets spécifiques réalisés avec eux ?
Cette association est une initiative brillante visant à introduire l’art dans les unités de santé mentale, où l’expérience et la récupération des patients peuvent être améliorées grâce à un environnement enrichissant. Je suis le travail de Hospital Rooms depuis sa création en 2016 par Niamh White et Tim Shaw.
Ils ont organisé une vente aux enchères de collecte de fonds chez Hauser and Wirth à Londres, en partenariat avec Hospital Rooms. J’ai été invitée à y faire don d’une peinture en septembre dernier, et ce fut formidable d’être aux côtés de nombreux artistes talentueux qui ont également contribué. Je suis particulièrement enthousiaste à l’idée de réaliser une peinture site-specific pour une unité de santé mentale dans le Kent. Nous en sommes actuellement à la phase de planification, et l’œuvre devrait être terminée d’ici le début de l’été. Je peindrai directement sur un mur sur place, et j’ai hâte de commencer.
The Bends 60x60cm ©Orlanda Broom
Vous avez vécu au Portugal et à Londres, et êtes maintenant basée dans le Hampshire. Comment ces différents lieux ont-ils influencé votre travail ?
Chaque lieu représente une phase de ma vie. Lorsque j’ai déménagé à Londres, j’ai commencé à utiliser une palette plus lumineuse, sans doute pour compenser le contraste avec le Portugal ensoleillé ! Mes voyages plus lointains ont eu une influence plus durable, servant de source d’inspiration : les souvenirs et la nostalgie des voyages exceptionnels en dehors du quotidien, souvent embellis et idéalisés – cela m’intéresse également beaucoup.
Orlanda dans son atelier
Quels conseils donneriez-vous aux artistes qui débutent leur carrière ?
Assurez-vous d’avoir des amis artistes avec qui échanger, car le métier peut être solitaire. Soumettez vos œuvres à des concours et développez une certaine résistance face aux refus – ils ne reflètent pas forcément la qualité de votre travail. Et, que vous aimiez ou non, les réseaux sociaux peuvent être très utiles !
Que souhaitez-vous que les spectateurs retiennent de vos peintures ?
J’espère transmettre un sentiment d’émerveillement, que mon amour pour la beauté de la nature transparaisse. Je suis souvent surprise de voir à quel point une personne peut interpréter une peinture différemment d’une autre. J’aime que mes œuvres soient ouvertes à l’interprétation. Sur le plan esthétique, j’apprécie la densité et la superposition de mes paysages, qui offrent sans cesse de nouveaux détails au spectateur, donnant presque l’impression d’une croissance et d’un déploiement devant ses yeux. C’est également un moyen de susciter la curiosité sur la manière dont les peintures sont réalisées.
Toutes les images sont fournies par l’artiste.
https://orlandabroomartist.com/