Parlez-nous de vous
Je m’appelle Marilyn Rose et je vis dans le New Jersey. Je travaille à plein temps comme enseignante et peintre en aquarelle. J’ai exercé le graphisme pendant plusieurs années et c’est au cours de cette période que j’ai découvert l’aquarelle. On m’a de plus en plus souvent demandé d’enseigner l’aquarelle dans des studios et centres d’art pour adultes, et je suis tombée amoureuse de ce médium.
Pouvez-vous décrire votre parcours d’artiste et comment il vous a conduit à cette résidence au Manufacturers Village ?
J’ai étudié la peinture à l’université de Washington à Saint-Louis. À l’époque, je réalisais de très grands tableaux abstraits à l’huile, mais j’ai quitté ce milieu pour devenir graphiste immédiatement après l’université. J’ai donc travaillé comme graphiste, dans le monde de l’édition, et j’ai même eu mon propre studio de design graphique.
Il y a environ 25 ans, j’ai ressenti le besoin de réintroduire les beaux-arts dans ma vie. Une amie donnait un cours d’aquarelle, et je me suis dit : « Pourquoi pas ! » Je n’avais jamais vraiment envisagé l’aquarelle sérieusement, et dès que j’ai mis la peinture sur le papier et vu comment l’eau se comportait et transportait les pigments, j’ai été immédiatement séduite. J’ai alors commencé à suivre des ateliers avec différentes personnes que je connaissais ou dont j’avais entendu parler.
Un jour, une de mes étudiantes m’a envoyé un lien vers l’annonce de cette résidence aquarelle en me disant : « Ça te correspond parfaitement. » J’avais déjà visité des studios d’artistes dans des bâtiments similaires avec plusieurs ateliers. J’ai toujours rêvé d’avoir mon propre atelier. Mon espace à la maison est petit et ne permet pas de travailler sur de grandes œuvres, alors j’ai postulé. J’étais très enthousiaste à l’idée de cette opportunité.
Qu’est-ce qui vous a attirée vers l’aquarelle comme médium principal et comment votre relation avec elle a-t-elle évolué ?
Au départ, je voyais l’aquarelle comme un médium très discret et je l’ai un peu ignorée. À l’université, nous n’avions pas de cours d’aquarelle. Ma seule expérience venait de matériaux de mauvaise qualité, et je ne savais pas ce que ce médium pouvait réellement faire. Dès que j’ai commencé à utiliser de vraies aquarelles de qualité, j’ai découvert à quel point la peinture et le pigment se mêlent pour créer leur propre univers.
Je dis toujours à mes étudiants qu’il faut apprendre tout ce que la peinture et les pigments peuvent faire, comprendre les matériaux, les pinceaux, tout, puis se laisser guider par eux. Pour moi, l’aquarelle a probablement influencé ma vie plus que ma vie n’a influencé mon aquarelle. Elle m’a appris à observer le processus, à voir ce que la peinture veut faire, à ralentir et à découvrir les merveilles que produisent les matériaux, puis à les suivre plutôt que de les contraindre.
Ma relation avec l’aquarelle a évolué au fil des ans. Au début, j’essayais d’apprendre tout ce que le pigment pouvait faire, puis j’ai commencé à expérimenter différemment après avoir observé d’autres artistes. Aujourd’hui, mon travail inclut plus de tâches, éclaboussures et coulures, créant une tension entre la volonté de représenter une image et le comportement naturel de la peinture. Forme et contenu se rencontrent alors sur la surface de la peinture, et c’est ce que j’aime le plus dans l’évolution de mon parcours.
Comment le travail dans cet espace, le Manufacturers Village, a-t-il influencé votre processus ou votre état d’esprit ?
Travailler dans cet espace a été un rêve. Tout d’abord, je suis dans un complexe d’ateliers avec d’autres artistes. Les autres artistes, surtout à cet étage, ont été incroyablement ouverts, généreux et partageurs, et je peux observer leur processus créatif. Travailler au sein d’une communauté d’artistes est très stimulant.
Ensuite, l’espace physique est fantastique. Beaucoup de mes œuvres sont centrées sur le milieu urbain. J’aime le côté brut de la ville, et dès que j’ai regardé par ma fenêtre et vu ces magnifiques passerelles, j’ai su que c’était un sujet parfait. J’ai même utilisé cet endroit comme sujet pour certaines de mes œuvres.
Concernant les matériaux, avoir accès aux merveilleux papiers et pigments Winsor & Newton et pouvoir projeter la peinture dans un espace où j’ai tant de liberté a été un rêve. L’atelier est assez grand pour que je puisse avoir deux ou trois œuvres en cours à la fois. Ainsi, le matin, en entrant dans le studio, je peux regarder ce que j’ai fait la veille, travailler dessus, puis passer à une autre pièce. C’est comme si j’étais en dialogue avec plusieurs peintures simultanément.
Pouvez-vous nous expliquer votre processus créatif, de la première idée jusqu’au dernier coup de pinceau ?
Mon processus créatif commence parfois la nuit, dans mes rêves, ou lorsque je me promène quelque part. C’est une combinaison de visuel et de sensation. Quand j’ai su que j’allais disposer de cet espace, je me souviens m’être réveillée la nuit en rêvant de grands coups de pinceau projetés et de peinture qui dégouline. Je ne savais pas à quoi cela ressemblerait, mais je savais ce que cela devait ressentir.
Selon le projet, si je travaille sur quelque chose de plus petit, je commence par un petit croquis rapide, une composition. Je dessine ensuite de manière très libre. Quand je peins, j’ai l’impression de dessiner à nouveau ; je ne remplis pas les formes. Pour ces petites œuvres, j’ai souvent une ou plusieurs références photographiques pour me guider. Parfois, ces petites pièces deviennent des œuvres plus grandes, parfois elles restent telles quelles, et parfois elles trouvent une nouvelle vie le lendemain ou quelques jours plus tard, une fois qu’elles ont mûri dans mon esprit.
Il m’arrive aussi de venir peindre sans idée précise ; je fais alors ce que j’appelle un “paysage imaginaire” ou un exercice pour déclencher le processus, car l’une des réalités de la peinture est qu’on n’obtient pas toujours un résultat immédiat. C’est un peu comme en musique : il faut d’abord travailler les gammes.
Lorsque je travaille sur une grande feuille de papier — le papier 22 x 30 pouces de Winsor & Newton — je préfère utiliser le papier 300 lb, car il se gondole moins et offre une surface plus plate. J’essaie de couvrir le plus de surface possible dès le début, plutôt que de travailler dans un coin seulement. Pour les grandes pièces, je travaille souvent sur chevalet, car j’utilise tout mon corps pour les coups de pinceau, avec de grands pinceaux. Je n’aime pas les petites manipulations : j’utilise beaucoup d’eau et de peinture.
Je laisse volontairement des zones blanches. Pour moi, l’aquarelle est un peu comme sculpter dans le papier, alors que l’acrylique ou l’huile est plutôt additif, comme modeler l’argile. Je “cisele” donc les blancs avec de grands pinceaux plats, couvrant la surface pour capturer l’énergie de l’œuvre. Ensuite, je prends du recul, je laisse sécher et je reviens le lendemain pour ajouter une nouvelle couche. La peinture sur une grande feuille voyage, et ce mouvement crée des effets inattendus. Certaines couleurs granulent, comme l’Outremer Ash ou l’Ultramarine Française, révélant de subtiles textures et superpositions.
Pour les très grandes pièces, je les pose parfois au sol et projette la peinture, utilisant tout mon corps. Couvrir toute la surface demande de l’énergie, mais c’est ce qui donne vie à l’œuvre.
À quoi ressemble une journée typique en studio pendant la résidence ?
Ma journée commence souvent la veille. Avant de quitter le studio, j’aime avoir en tête, même si j’ai l’impression d’avoir terminé une peinture, un autre projet à travailler. Généralement, j’ai quelque chose en cours sur mon chevalet, qui “me salue” le matin et me guide sur ce que je vais faire.
Si je ne sais pas par où commencer, je fais un exercice, souvent ceux que je propose à mes étudiants pour s’échauffer : explorer différents types de coups de pinceau ou créer un “paysage imaginaire”. Parfois, je choisis trois couleurs au hasard et je joue avec l’eau pour laisser la peinture se mettre en mouvement. Ensuite, je me laisse immerger dans mon travail pour la journée.
Certains jours, j’enseigne depuis le studio, car j’ai la chance de pouvoir amener mon matériel de cours, notamment pour mes cours sur Zoom. Ma première activité du matin consiste à regarder ce que j’ai préparé la veille ou à préparer rapidement une nouvelle pièce, généralement à partir d’une photo de référence, pour être prête à enseigner.
Comment les matériaux Winsor & Newton ont-ils influencé ou soutenu votre travail pendant cette résidence ?
J’adore les aquarelles Winsor & Newton pour la richesse de leurs pigments. Les peintures sont très “juteuses”. La gamme de couleurs est excellente, et je peux choisir des couleurs transparentes qui se combinent parfaitement. Par exemple, j’aime utiliser le Burnt Orange ou le Perylene Violet, associés au Winsor Blue ou à l’Ultramarine Blue Française. Certaines couleurs granulent de façon magnifique, créant des petits anneaux lorsque la peinture dégouline, laissant apparaître des bords d’autres couleurs. Elles ont une vie propre.
Le papier 300 lb est merveilleux. Il supporte beaucoup d’eau et reste très plat, donc je n’ai même pas besoin de le fixer avec du ruban. Le papier 140 lb est également excellent, avec un bon encollage qui laisse l’eau circuler tout en offrant un temps de séchage suffisant. Les papiers Winsor & Newton ont été une découverte fantastique pour moi.
J’apprécie aussi beaucoup les grands pinceaux plats. Les gens sont souvent surpris en voyant la taille du pinceau, et mes étudiants me demandent : « Vous utilisez ça sur une petite surface ? » Mais on peut exploiter le bord ou différentes parties du pinceau. J’adore vraiment ces grands pinceaux.
Quels thèmes ou idées explorez-vous dans votre travail actuel ?
Actuellement, j’explore la limite entre abstraction et réalité, entre le monde urbain et un univers plus esthétique. Beaucoup de mes œuvres s’inspirent de mon environnement ici : les passerelles, les ponts, et, dans certaines peintures, les fenêtres. Par exemple, un fleur naturelle à l’intérieur et un bâtiment à l’extérieur créent une tension que j’aime incorporer dans mes compositions.
Où trouvez-vous votre inspiration, à l’intérieur comme à l’extérieur du monde de l’art ?
Je puise mon inspiration dans mon environnement. Parfois, c’est juste en conduisant et en observant comment la lumière frappe un objet, ce qui me donne une idée à explorer. Ensuite, je consulte mes photos pour trouver quelque chose qui suit le même thème. Je ne copie pas les photos ; je suis plutôt sur le principe de la traduction plutôt que de la transcription. Parfois, mes photos les moins réussies deviennent mes meilleures peintures, car je dois m’appuyer sur ma mémoire et mon ressenti.
Dans mon enseignement, je travaille sur trois sections et j’essaie de garder le même thème sans reproduire les mêmes peintures. Cela me permet de travailler en séries. Récemment, j’ai peint des intérieurs de cafés, tous centrés sur la lumière arrière et les rythmes, en abstraisant des arrière-plans très complexes de différentes manières. Mon enseignement m’inspire donc aussi pour mes propres œuvres.
Que souhaitez-vous que les spectateurs ressentent ou retirent de vos aquarelles ?
Je veux que les gens participent à mes peintures. Je laisse souvent des traits de crayon, des coulures, on voit la peinture bouger. Je ne cherche pas à cacher la main de l’artiste. L’artiste et le spectateur se rencontrent ainsi sur la surface du papier. Si j’ai apporté mon expérience à la peinture, le spectateur apporte la sienne. Là où nous nous rencontrons, c’est ce que la peinture exprime. Si cela les touche, c’est pour moi la plus grande réussite.
Que signifie pour vous l’innovation en aquarelle et comment repoussez-vous ces limites ?
Pour moi, l’innovation en aquarelle, c’est faire quelque chose que l’on n’associe pas forcément à l’aquarelle, parfois en mélangeant des matériaux ou en abordant la peinture différemment. Par exemple, j’ai travaillé sur un pot de géraniums sur un rebord de fenêtre, inventé de toutes pièces. Rien ne fonctionnait, alors j’ai pris un gesso blanc Liquitex et j’ai recouvert certaines zones. Cela m’a libérée : il n’y avait rien à perdre. Le lendemain, en revenant avec de la couleur, j’étais très enthousiasmée par le résultat. Pour moi, l’innovation naît souvent de l’échec ou du risque, et de se demander non pas “À quoi doit ressembler une aquarelle ?”, mais “Que puis-je faire avec ces matériaux ?”
Que signifie voir le monde “à travers les yeux d’un artiste” ?
Voir le monde à travers les yeux d’un artiste, c’est regarder avec une autre perspective. Les artistes voient la couleur, la forme, les choses autrement, parfois sans se focaliser sur l’objet lui-même. On ne voit pas un arbre ou une fenêtre, mais un rectangle lumineux où la lumière se reflète.
Je suis toujours étonnée lorsque je peins en extérieur : des passants me disent “Je passe devant ça tous les jours, je n’avais jamais pensé que c’était beau ou que la lumière frappait ainsi.”
Je dis toujours à mes étudiants de peindre des lieux qu’ils connaissent, car l’artiste apporte sa vision personnelle à un endroit, et cela se reflète dans l’œuvre. On voit ainsi ce qu’il y a de spécial lorsqu’on regarde à travers les yeux de l’artiste.