« Je me retrouve tellement facilement hyper-concentré sur les projets en cours que je m’y enlise souvent et je perds de vue toutes les autres choses passionnantes à venir. Cela devient alors à la fois démoralisant et accablant, ce qui entraîne rapidement une descente vertigineuse et une perte de motivation. »
Parlez-nous un peu de votre parcours.
L’art a toujours occupé une place importante dans ma vie, j’ai commencé à dessiner à l’âge de 5 ans. En 2015, j’ai décidé de quitter l’université pour poursuivre pleinement ma passion pour l’art. Depuis, je travaille comme artiste à plein temps, ici dans ma ville natale de Melbourne.
Comment est né votre pseudonyme, Kelogsloops ?
C’est une histoire un peu bête, mais c’était un nom d’utilisateur que j’avais adopté sur internet quand j’étais enfant. Je crois que j’avais environ 7 ans et que j’essayais de créer un compte pour un jeu en ligne ou quelque chose du genre. Le nom d’utilisateur « hieunguyen1 » était probablement déjà pris, mais je me souviens avoir mangé des Froot Loops à ce moment-là, alors j’ai essayé « kelogsloops » et ça a marché. Aussi ridicule que ça puisse paraître, il est probablement trop tard pour en changer maintenant…
Votre style unique mêle fantasy, réalisme et influences manga. Qu’est-ce qui vous inspire ?
Mon travail est fortement inspiré par les jeux, films, séries et anime avec lesquels j’ai grandi. Ce sont encore aujourd’hui des sources d’inspiration créative pour moi. En grandissant, j’ai été exposé à des jeux du genre fantasy avec des styles visuels magnifiques comme Final Fantasy, ainsi qu’à des films et des anime comme Le Voyage de Chihiro ou Sailor Moon. Ce n’est que plus tard que j’ai commencé à apprécier les styles plus réalistes et semi-réalistes. J’ai étudié et tenté de reproduire les artistes que j’admirais, comme Stanley Lau (@artgerm) et Silvia Pelissero (@agnes-cecile). Avec l’arrivée de ces influences plus réalistes, mon style est devenu un mélange de mon enfance et de mes études vers le semi-réalisme.
Qui vous influence en ce moment ?
Ces derniers temps, je suis vraiment obsédé par Yoshitaka Amano et Shaun Tan. Leurs genres, styles et spécialisations sont complètement différents, mais ils partagent une capacité commune à raconter une histoire à travers leurs peintures. Dans chacune de leurs œuvres, je me retrouve totalement immergé. Mes yeux parcourent sans cesse la composition, découvrant de nouveaux récits et indices dans chaque recoin. La narration est un élément que j’essaie d’accentuer dans mes œuvres récentes : la capacité de communiquer plus qu’une simple idée, mais un ensemble d’émotions, de symboles et de significations. Si vous n’avez jamais vu le travail d’Amano ou de Tan, je vous recommande vivement d’y jeter un œil.
Vos sujets affichent beaucoup de couleurs de peau délicates. Quels mélanges utilisez-vous en général ?
Mes mélanges de couleurs de peau reposent toujours sur trois teintes : un rouge froid (par exemple l’alizarine cramoisie), un jaune terreux (par exemple la terre de Sienne naturelle ou l’ocre jaune) et un bleu (comme l’outremer ou le bleu cobalt). Je change les proportions et les couleurs selon que la carnation doit être plus chaude, plus froide, plus atténuée ou plus vive.
Avez-vous une routine typique quand vous commencez une nouvelle œuvre ou une journée en atelier ?
Pour commencer une nouvelle pièce, je commence généralement par m’immerger dans la recherche. Selon la complexité, cela peut durer de quelques heures à toute une semaine. Pour trouver un concept, je cherche l’inspiration dans les palettes de couleurs, les styles et mouvements artistiques, les références culturelles, et parfois même la musique. Une fois l’inspiration trouvée et la créativité lancée, je commence à griffonner des idées très librement. C’est difficile à expliquer, mais je continue à griffonner jusqu’à tomber sur une vignette qui « sonne juste », dont la composition capture le mouvement, l’émotion et l’histoire que je veux raconter. À partir de là, je développe et affine le concept jusqu’à obtenir un dessin abouti. Ensuite, il est temps de commencer à peindre.
Avez-vous des projets excitants à venir ?
Je travaille actuellement sur la publication d’un petit livre de mes peintures à l’aquarelle tirées de mon carnet de croquis. Depuis que j’ai commencé à peindre à l’aquarelle, j’essaie de me lancer le défi de remplir un carnet de croquis par an uniquement en aquarelle. C’était un objectif annuel qui m’a vraiment permis d’affiner mes compétences et mes techniques au fil des années, et cette pratique a largement façonné mon travail actuel.
Vous utilisez principalement l’aquarelle, mais y a-t-il un matériau artistique que vous n’avez jamais testé et que vous aimeriez expérimenter ?
Oui ! J’aimerais vraiment essayer la peinture en bombe. J’ai toujours admiré la capacité des autres artistes à travailler à grande échelle. Les artistes travaillant à la bombe ou sur des murs en sont sans doute le meilleur exemple. Je trouve que c’est un talent et un ensemble de compétences complètement différent : transmettre une idée à cette échelle exige patience et courage. J’aimerais beaucoup m’y essayer un jour, mais travailler si grand m’intimide énormément.
Avec la durabilité au cœur des préoccupations, avez-vous des astuces ou objets que vous réutilisez en atelier ?
Je suppose que tout le monde le sait, mais les chutes sont les meilleures amies des artistes, aussi petites soient-elles. Je garde toujours les chutes de papier utilisées pour mes aquarelles dans une boîte. Même les plus minuscules ! Je les utilise pour tester des couleurs, pour mélanger, et parfois même pour faire de petites vignettes. Accumuler ces morceaux peut sembler extrême, mais ils sont incroyablement utiles.
Comment restez-vous motivé ?
La motivation a été un vrai défi ces dernières années pour moi, la pandémie ayant fortement mis à l’épreuve ma capacité à rester motivé. Ce qui m’aide aujourd’hui, c’est de me rappeler constamment d’être enthousiaste pour les projets sur lesquels je travaille, et en même temps pour ceux qui arrivent ensuite.
Je me retrouve tellement facilement hyper-concentré sur les projets en cours que je m’y enlise souvent et perds de vue toutes les autres choses excitantes à venir. Cela devient alors démoralisant et écrasant, ce qui entraîne rapidement une baisse de motivation. J’essaie donc de me rappeler d’être enthousiaste, de voir le bon côté de chaque projet, de trouver un sens et une passion dans mon travail, et d’être impatient de ce qui m’attend ensuite. Parfois c’est facile, parfois il faut creuser profondément pour retrouver cette joie et cette motivation.
Quel est le meilleur et le pire aspect du métier d’artiste aujourd’hui ?
Le meilleur côté, c’est la possibilité de se connecter à autant de personnes dans le monde grâce aux réseaux sociaux. Mais c’est aussi le pire. Nous sommes constamment connectés à des millions de personnes à tout moment, ce qui rend la comparaison presque inévitable. On se met soi-même une pression énorme : créer constamment, s’améliorer sans arrêt, être plus rapide, produire des chefs-d’œuvre au quotidien, apprendre tout ce qu’il y a à apprendre. Cela devient vite accablant et épuisant, et on oublie facilement pourquoi on fait tout ça au départ. C’est une descente rapide vers l’épuisement, que je vois chez beaucoup de créatifs, et qui m’est malheureusement aussi arrivée.
Quel conseil donneriez-vous aux artistes qui débutent ?
N’attendez pas, lancez-vous ! Montrez votre travail et commencez à le partager avec le monde. J’ai repoussé ce moment pendant si longtemps en me disant : « Je vais encore pratiquer un peu avant de montrer mon travail. Personne ne l’aimera pour l’instant, je peux encore m’améliorer. » Mais voilà : nous avons tous le syndrome de l’imposteur. Je vous garantis qu’il y a quelqu’un, quelque part dans le monde, qui regarderait votre travail et dirait : « wow, j’aimerais que le mien ressemble à ça ! »
Quels conseils donneriez-vous aux artistes qui souhaitent vendre leur travail en ligne ?
Pour compléter ma réponse précédente : commencez à partager votre travail sur les réseaux sociaux ! Ils nous donnent les outils pour présenter notre travail et créer notre propre base de collectionneurs. En mettant votre travail en ligne, vous donnez aux gens l’occasion non seulement de le voir, mais aussi de vous accompagner dans votre parcours artistique. Avec du temps, du travail et de la persévérance, ils finiront peut-être par aimer votre travail et votre évolution, au point de soutenir votre art en achetant un tirage, voire une œuvre originale.
Qu’écoutez-vous en ce moment ?
Je trouve toujours une chanson et je l’écoute en boucle pendant des jours, parfois des semaines, parfois même des mois. En ce moment, je suis obsédé par un artiste nommé Ford. Plus précisément, j’ai sa piste « Dusk » en répétition depuis un an ou deux.
Pour en savoir plus sur l’œuvre de Kelogsloops, vous pouvez visiter son site ou le retrouver sur Instagram @kelogsloops. Toutes les images sont fournies par l’artiste.
