Désormais basé aux États-Unis, Takura Suzuki, lauréat d'un prix d'art international, est un artiste né au Japon dont la pratique explore la nature fluide de l'identité et l'expérience de vivre entre les cultures. Travaillant à l'acrylique en couches superposées et à la pâte à modeler, il réinterprète des fragments du quotidien, réunissant des objets inattendus pour créer des relations qui n'existent généralement pas dans la réalité.
(Transcription d'entretien en français)
Je suis né au Japon, mais je vis aux États-Unis depuis dix ans maintenant, et cette expérience m'a beaucoup fait réfléchir à la question d'appartenance, comme beaucoup d'autres personnes.
Vivre entre différentes cultures m'a fait comprendre que l'identité n'est pas quelque chose de figé, selon moi. Elle évolue constamment en fonction de l'endroit où l'on vit, de la langue que l'on parle, ou du type de culture ou d'environnement dans lequel on se trouve, et ce sentiment d'être entre plusieurs mondes devient naturellement une partie de mon travail.
Les matériaux sont très importants pour moi, car mes peintures se construisent lentement, en de nombreuses couches. J'utilise principalement de l'acrylique et j'adore vraiment les peintures Winsor & Newton, parce que les couleurs restent intenses même après, vous savez, de nombreuses couches. Une couleur que j'utilise beaucoup est le Quinacridone Magenta. Elle est très puissante, très saturée. Selon la façon dont je l'utilise, elle peut aussi être douce, ce que j'aime vraiment chez elle.
J'utilise également de la pâte à modeler pour créer de la texture, afin que la surface garde les traces du processus. C'est quelque chose de nouveau que j'essaie de développer dans ma pratique — utiliser la pâte à modeler pour conserver les marques du processus.
Récemment, mon travail tente de trouver un endroit où se tenir dans un monde où tout ne cesse de changer. Je m'inscris dans la tradition de la nature morte, mais j'utilise des objets du monde qui m'entoure. Par exemple, dans une peinture récente intitulée Silk Breathing, j'utilise une bouteille de Clorox comme base, avec des fleurs et des papillons autour d'elle. Le Clorox peut évoquer le nettoyage ou la désinfection, les fleurs évoquent la vie et la mort, et les papillons évoquent les deux à la fois — comme la mort et la renaissance. Quand ces éléments coexistent dans une même peinture, cela devient une façon de montrer à quel point le monde peut sembler instable.
Beaucoup des objets dans mes peintures viennent de choses que je vois. Dans la vie quotidienne. Des publicités, des emballages de produits ou des images que je croise sur les réseaux sociaux — je ne peins pas ces scènes directement. Je collecte des fragments et les ramène à l'atelier, où je construis une composition de nature morte en réunissant des objets très différents. Je peux ainsi créer, vous savez, des relations qui n'existent pas vraiment dans la vie réelle, et c'est là que le sens de la peinture commence à apparaître.
Découvrez les coups de cœur de Takura pour sa pratique acrylique ci-dessous, ou explorez la gamme acrylique.
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