Pouvez-vous décrire votre parcours artistique ?
Mon parcours artistique a été plutôt sinueux. Mes parents, Nelson et Leona Shanks, ont fondé le Studio Incamminati à Philadelphie en 2002. Mon père était un peintre de renommée mondiale et un grand portraitiste. Au départ, j’ai décidé de me rebeller contre mes parents et je ne voulais pas devenir peintre, malgré leurs espoirs et leurs rêves. J’ai étudié la photographie, puis la littérature anglaise, et un jour, j’ai fini par réaliser qu’il n’y avait rien d’autre que je puisse faire de ma vie que d’être peintre réaliste contemporaine.
Que représente pour vous le fait de poursuivre l’héritage artistique de votre père, Nelson Shanks, tout en développant votre propre voie ?
Je ressens une immense responsabilité à perpétuer l’héritage artistique de mon père. Et ce qui est si exaltant quand on est peintre réaliste, c’est que l’on peut marcher dans les pas des peintres des siècles passés tout en traçant sa propre voie créative.
Il y a bien sûr une pression pour tenter d’atteindre les standards et les précédents qu’il a établis, mais en même temps, aucune personne créative ne devrait s’imposer trop de contraintes, surtout lorsqu’il s’agit d’atteindre un certain degré de réussite. En tant qu’artiste, il faut se donner de la liberté et s’accorder de la indulgence pour découvrir ce que la réussite signifie réellement pour soi en tant qu’individu.
Comment la formation au Studio Incamminati influence-t-elle votre travail ?
Le Studio Incamminati est l’une de ces écoles qui offrent la formation la plus complète et qui permettent véritablement à un artiste, à la fin du programme, d’exercer une liberté créative absolue. On y enseigne de manière approfondie le dessin classique, l’écorché, la théorie des couleurs et l’étude de la couleur. Et même si le cursus repose très largement sur le dessin et la peinture de la figure, les compétences acquises sont si équilibrées et si complètes que, quel que soit le domaine sur lequel un artiste choisit de se concentrer après l’obtention de son diplôme, il maîtrise suffisamment son art pour que rien ne l’empêche de réaliser tout ce qui lui vient à l’esprit.
Comment passez-vous de la première esquisse à l’œuvre achevée ?
Au Studio Incamminati, nous pratiquons une approche de peinture directe d’après observation, ce qui signifie que nous peignons directement sur la toile, sans dessin préparatoire.
Nous commençons par un brun neutre très fin et délavé avec lequel nous réalisons nos dessins, et nous travaillons par masses, c’est-à-dire que nous partons des formes les plus abstraites possible. Ensuite, comme pour sculpter dans le marbre, nous utilisons les formes de lumière et d’ombre pour faire émerger les formes de la figure que nous essayons de donner vie sur la toile. C’est vraiment la manière la plus efficace de devenir le meilleur dessinateur possible, le plus rapidement possible.
À quoi ressemble une journée type pour vous pendant la résidence Winsor & Newton ?
Pendant la résidence Winsor & Newton, une journée type dans mon atelier privé commence vers 8 h 30. Je prends mon café. J’aime m’asseoir et essayer d’adopter un état d’esprit très paisible au début de la journée.
J’aime collectionner de petits objets originaux, féminins et fantaisistes, et je tiens à m’entourer dans mon atelier de choses belles, apaisantes et inspirantes. Je pense qu’il est très important, pour un artiste, d’être entouré de choses qui nourrissent sa créativité, même à une échelle apparemment microscopique. Mais tout compte, et tout alimente cet état d’esprit magnifique, fantaisiste et créatif qui donne tant de force à un peintre.
Comment vos expériences de vie influencent-elles votre processus créatif ?
Avant d’entrer au Studio Incamminati, j’avais obtenu un diplôme associé (associate’s degree) en photographie et une licence en littérature anglaise. Pendant mes études de littérature anglaise, je m’intéressais profondément à la littérature jeunesse et aux contes populaires du monde entier. Dans ma peinture, je veux donc intégrer tous ces motifs et les sentiments que j’éprouve en lisant les contes de Grimm ou ceux de Perrault.
Je pense que la littérature, et en particulier la littérature jeunesse, entraîne les lecteurs dans un voyage d’une grande richesse psychologique et émotionnelle, et je veux m’efforcer d’intégrer à mes tableaux les sentiments que l’on éprouve en lisant. Je veux trouver un moyen de captiver mes spectateurs de la même façon, de nourrir leur imagination, de les toucher sur le plan psychologique et émotionnel. Je veux peindre des tableaux qui racontent des histoires que les gens peuvent garder en eux.
En quoi les matériaux Winsor & Newton soutiennent-ils le travail que vous créez ?
Dans ma pratique créative, les matériaux Winsor & Newton sont le choix le plus naturel. Pour moi, Winsor & Newton, c’est la continuité et l’héritage. Et c’est ce que représente la peinture pour moi : poursuivre l’héritage pictural de mon père. Winsor & Newton était sa marque de prédilection. Il a peint les portraits de la princesse Diana avec des peintures Winsor & Newton, et il a peint des présidents américains avec des peintures Winsor & Newton. Et je crois que les peintures Winsor & Newton m’aideront à donner vie à ma vision et à ma raison d’être.
Quels thèmes explorez-vous dans votre travail actuel ?
En dehors des travaux de commande, quand je conçois les natures mortes ou les tableaux de figures que je prévois de réaliser au cours de l’année à venir, je m’intéresse beaucoup aux motifs narratifs qui traduisent un certain type de personnalité, et je cherche comment utiliser des objets inanimés pour illustrer le caractère d’une personne. J’aime utiliser des objets fantaisistes, mystérieux et d’une certaine complexité, qui permettent de créer un portrait très nuancé d’une personne, principalement à travers des objets de nature morte.
Dans ma peinture, je veux explorer des motifs et des thèmes qui transportent mes spectateurs. En utilisant des objets délicats et nuancés, je veux trouver l’équilibre parfait entre des objets et des portraits auxquels mes spectateurs peuvent s’identifier, tout en y ajoutant ce petit quelque chose de spécial qui transforme la peinture en magie.
Je veux que mes tableaux de figures et mes natures mortes soient très narratifs, avec une part de théâtralité qui captive le spectateur et un équilibre exquis entre mystère et franchise.
En tant qu’artiste visuelle ayant une solide formation littéraire, je suis tout simplement emportée par les contes de fées et les récits d’aventure. J’adore lire des romans qui me transportent dans un autre lieu et une autre époque, et c’est ce que j’aimerais faire pour mes spectateurs à travers mes tableaux. Je veux explorer des motifs et utiliser de beaux objets délicats et fantaisistes qui transporteront mes spectateurs dans un autre monde magique.
Où puisez-vous votre inspiration ?
Je dirais que je puise mon inspiration à trois sources principales. La première est la peinture de la Renaissance et du baroque. Mon père était un collectionneur passionné d’œuvres d’art et de mobilier de la Renaissance et de l’époque baroque, et j’ai donc grandi entourée de ces pièces extraordinaires, qui racontaient toutes des histoires incroyables.
Une autre source d’inspiration : comme j’ai obtenu un diplôme en photographie, j’ai beaucoup étudié le vieil Hollywood et les photographes de mode du XXᵉ siècle, tels que Richard Avedon et Cecil Beaton. Leur photographie de mode emmenait les gens dans un voyage extraordinaire, passionnant et fantaisiste, profondément ancré dans le glamour. J’ai très envie d’intégrer ce genre de glamour et de fantaisie à ma peinture.
Et l’une de mes principales sources d’inspiration est bien sûr la littérature jeunesse et les contes de fées, car j’aime le sens de l’aventure et le voyage du héros que vivent les enfants, et la façon dont cela les façonne en futurs petits héros. Je veux que tous mes spectateurs se sentent comme des héros, ou qu’ils se souviennent du voyage héroïque qu’ils ont entrepris à un moment de leur vie et qu’ils continueront d’entreprendre.
Que souhaitez-vous que les gens retiennent lorsqu’ils découvrent votre art ?
J’espère que ce que les gens ressentent en regardant mon art est ce que je ressens en lisant des récits d’aventure ou des contes de fées : une expérience transformatrice qui remplit d’émerveillement, d’esprit d’aventure, de nostalgie et du désir d’atteindre le sublime.
